首页-百事2娱乐注册-登录平台-为什么科技的发展没有使电子乐器超越传统乐器的地位？(主管:QQ66306964 主管:skype live:.cid.6c7b79dae5ec9830)天九2注册天九2娱乐天九2娱乐有一些学者认为，传统乐器，尤其是管弦乐队中的乐器，其背后都有某种文化上的暗喻(Drijvers and Trouche 2008)。甚至还有一个专门的术语来描述这种联系——Orchestra metaphor. 比如小号最初与军队、战争有关，进而延伸出了凯旋的含义；圆号最初与打猎有关，进而延伸出了“英雄史诗般的”含义；木管组最初多与田园风光有关，如贝多芬第六交响曲(Gossett 1974)。

　　今天无论是电影或是游戏配乐，管弦乐或者说原声乐器仍占主导地位的原因，很大程度上来源于人类在长期的文化中形成这种对音色的联想。一些特定的主题的表达，只有借助原声乐器才能更好地完成。不可否认，电子音色同样可以表达许多情感，也可以模拟真实乐器，比如三角波音色就类似长笛、锯齿波音色也类似双簧管，要表现EPi天九2娱乐C的场景除了用管弦，用Dubstep也可以，然而，很多情况下许多更为细腻的情感只有通过真实乐器的实录才能更好地表达。

　　音乐和美术不同，如果以颜色作为美术的创作材料的话，那么画家很早就掌握了所有的材料。然而音乐不一样，如果讲所有的声音都作为音乐素材的话，现在我们仅仅是实现了“理论上可以得到所有声响”。用于创作的音响是需要被“捕捉”（Captured）而并非凭空创造的(Gossett 1974)。相比想象一种从未见过的颜色，想象出一种从未听过的音响显然更难一些。而使用传统乐器的好处在于，我们已经熟悉了这种声响，可以比较容易想象出这种音响，从而对其进行组织排列也较为容易一些。而且，使用传统乐器的另一个好处在于，对于此类音色，有一套比较成熟的配器理论可以指导音色搭配。而如果使用电子音色的话，目前还没有一个比较好的类似《配器法》一样的东西来总结各种音色的使用规律。而且由于一部分电子音色独特的泛音特征，和声学有时候也不一定适用于电子音色，比如摇滚乐里的强力和弦之类。而在一些早期的电子音乐，或是具象音乐中，思考、创作音乐的方式也多种多样，比如伊阿尼斯·泽纳基斯（Ιάννης Ξενάκης）的音色融合（Bohor 1962），或者是以节奏、音高、时值甚至频谱来安排音乐材料。组织音乐的方式不再局限于配器、对位、和声、曲式等等，产生了许多实验音乐。然而，哪怕在电子音乐已经十分流行的今天，我们所掌握的电子音色材料依然不够丰富，我们的电子音色还没有一个比较系统的创作体系，许多人依然在努力寻找新的音色、新的创作技法以及创作思维。

　　不仅现在的新乐器很多，做音乐的手法也非常多。演奏介面、声音、机器和算法作曲的可能性都无穷。选择多了，在一条路上执着走远的人就会少了。另外，有的项目也并非像传统练琴那样，是一个体术的修炼。而是非实时，非演奏，类似编程、物理实验的过程。

　　钢琴键盘其实并不是一个高效的设计。主要问题体现在音程与琴键位置之间的关系不确定。所以同种调式不同调性指法不同。百年前就出现过很好的同构式设计。但是当时并没有好好的推广开，猜想应该是因为制造复杂度和声音的问题吧，毕竟在电子技术出现之前，人类还无法把演奏界面和声源分开来，而且只能依靠机械结构实现乐器想法。到现在电子技术如此发达了，但是钢琴键盘还是惯性沿用过来了。

　　另外一个可以类比的例子就是我们打字的qwer键盘。像a和e之类的元音放到较弱指（小指和无名指）上并不是个非常高效的设计。当时为什么能够胜过其他竞争键位？其实是因为在打字机时代，他家的产品连杆不会像其他的打字机那么容易卡住，秘诀就是左右手交替输入。你可以在打字的时候体会一下。这种键位到现在依然沿用了。

　　的回答里面关于模仿声学乐器的问题。电子乐器模仿声学乐器现在基本只有两个原因：一是商业音乐和综合类艺术（电影、游戏等）所要求的低成本制作；二是试验并扩展声音合成的可能性（虽然不可能做到声学乐器般的复杂高熵，但声学乐器也做不到鼓腔琴体的大小随时间流逝而动态变化吧！）

　　除此之外，电子乐器其实并不模拟真实乐器。只不过大家不太知道罢了。当然初期电子乐器刚刚被研究的时候，参考了声学乐器的发声原理。

　　大家可以去我网站，点教育菜单下面有几个免费视频，可以看下了解声音合成器。

　　科技的发展是非线s开始的analog synth直到现在甚至手机都能运行的digital synth，可谓是不知道经过了多少变迁，创作方式也越来越特殊，从压控的analog sequencer，内部的音序器到现在通过maschine等的DAW提供的无比方便的步进音序系统，不知道变迁了多少次，也不知道以后会变迁多少次，从oculus rift与leap motion等的协作企划我就发现未来的创作与记谱方式会一发不可收拾。

　　但音乐不是从现在开始的，从公元前一千年左右的楔形文字开始，就有一些节奏的记谱法，但是目前沿用至今的还是五线谱。从巴洛克时期到现在，音乐的科技发展（指乐器制造业与乐器声学设计类）其实一直在悄悄发生，圆号从最早的单管自然号到后来的双管三管，各式pianoforte到现在的piano一直在慢慢改变并运用在不同时代的作品之中，就连现在也一样，电小提琴等利用压电拾音器进行拾音和扩音的电声乐器也逐渐占据了酒吧与演出的视野。

　　可重新设计一类乐器，且让它的地位在学术界与商业界都超过那些传统乐器，实在是太难了。

　　在Berklee，NYU，甚至在一些MIT等理工大学，乐器声学的设计一直是非常热门且有意思的project之一，但是基本都是基于已有经验来开发基于arduino和maxmsp的“beer bottle organ”等脱离不了传统乐器范畴的原创乐器。我认为，设计出来的乐器首先要满足“不可替代性”，以及“不可模仿性”，能够有“不同价格阶层的定价范围”，还有“演奏性”（或者说有足够的为这个乐器设计的音乐作品（比如concerto，sonata类）能得到演绎），任何一点的难度都非常高。

　　比如一个现代乐器是否能具备有一个长时间的市场占有率，就取决于它是否短时间内会有更新的version出现来超越这个乐器，在就连乐器厂商都会给自己留余力进行下一代产品研发的商业时代，能够满足这点是很困难的。产能，成本和市场饱和度都会导致这个方面的变化。举个例子，比如在几百年前，在产能不足的情况下造一批小提琴，并且对特定地区进行售卖，大家都会对这个新鲜的乐器产生兴趣，且前来购买，然后赚了钱，这样就会有别的厂商争相进行模仿，导致钱后面越来越难赚，然后推出更新的版本重新占据市场，这样的竞争周期可能会在十年到几十年之间。而在现代科技的影响下，乐器的生产，更新，设计都大量受着产能，市场饱和度，运输成本等的影响。一个对于单个乐器厂商微观的竞争周期可能短至几个月（或许有很多人把这种情况给定义为“商业”与“浮躁”，不反对，科技发展的结果），而且大量商业投资的花招（比如众筹等），也给乐器开发的目的性带来影响。所以商业角度并没有一个值得潜心开发的乐器来占据市场。

　　关于声学乐器，或许古人已经把所有能够被人想到的演奏方式给想到了，并且在音乐性，音乐作品中的声学性（频段分配以及摆位等）等角度早已形成一个完美且排外的生态圈，几千年流产下来的演奏资源，写作资源和教育资源全都或多或少的导致了生态圈的封闭性。从演奏法角度来考虑，常见的乐器都基本上用了个遍，bowed（arco），plucked（pizzicato），hammered，reeds，edge blowned， horn这么多类的演奏法中，甚至还能在乐器之间互相切换（如bowed piano，hammered guitar等）古典时期的作曲家为了追求音色而各种尝试新的记谱方式，新的乐器组合与新的乐器演奏法，可真要去设计个声学乐器，它的资源是远远没有那么多的曲目使用的，就好像让一个新的乐器去走一条没有铺过的路，而这个新的乐器去演奏以前的音乐作品，或许也会因为其违和感等原因不被大众接受，这样的例子有许多，比如具有铜管结构进行扩声（对仅用于扩声）的stroh violin，比如尝试把不同液体倒入waterphone等的作品。

　　从电声与电子音乐，midi，电脑音乐与控制器方面去考虑的话，一个有时代历程并且一直热门的乐器其实有很多，只是许多人不认定那是乐器，且容易复制。天九2娱乐注册

　　所提到的TR808着实是很好的例子，roland从最早生产它开始经历了不知道多少时间，不知道有多少作品使用了这个analog drum machine，不知道这个产品的地位在音乐史上有多高，然而这时候就要思考一下了，我们线吗？是复刻，是现代数字采样器上面对它的一段采样，还是vengeance trap essential里面的一段TR808的loop？我想更多时候这个鼓机留下来的是它的情怀以及它的声音，而本身它的价值早就已经改变了，厂商一直在竞争在模仿，模仿结束之后不光价格降低，而且还要在功能性上面超越它，最后若是这个被别人模仿的产品成了经典，又会这样循环下去，我想我个人无法把它叫做“同一个乐器”。

　　如果抛开一切，且谈论“analog synth”等乐器在地位上去超越古代的乐器，就很难说了，它在乐器中的地位，或许更多取决于电子乐（指vintage electro music）在整个音乐史上的地位。在影视音乐中，许多texture也是通过analog synth进行设计的，比如看hans zimmer的工作室里有一大面墙，墙上有一大堆旋钮和一大堆线，那么这些就是经典的eurorack等模块化的analog synth，无论在好莱坞大片，还是在一些并不是那么好莱坞大片的大片中，这种乐器的运用是非常广泛的，能数的过来的乐器就是传统管弦，插入歌的band乐，体现地区民族变化的民族乐运用以及音效性和代表流行成分的synth（不只analog），在一定时间上，完全使用现代科技发展而设计analog synth的热门程度，市场占有率和地位在影视音乐和当时的流行乐中的确勉强来说可以和传统乐器持平。

　　然而悲哀的是，这个因为科技而发展的乐器，自己却受不住科技的冲击。在电子音乐的产品界有个有趣的现象，几十年前korg，roland，studiologic等厂商因为自己成功研发了dsp来进行数字合成器的生产而欢呼雀跃，并且还很开心自己终于能不用花费那么大的成本来建造analog synth，并且能保证市场占有率，几十年后的现在数字合成器却因为被基于个人电脑的软件（比如Native Instruments，u－he等）大量替代而大大减少了产品比重，换句话说又是通过营销又是通过情怀来再次宣传analog synth的好，倒是一些一开始就坚持analog的厂商（比如moog等）现在提升了市场占有率。然而纯粹用analog synth做的东西越来越少，人们做电子音乐从analog synth变成了digital audio workstation与digital synth，然后变成了电脑上的daw与软音源，现在大部分榜单上的EDM都是通过纯软件来进行制作的。那么问题来了，一个软件，能算作是乐器吗？

　　说个题外话，受到纯软件的音乐制作的影响，若是midi控制器能算是一种乐器，热门的东西也不是不存在，但是在学术性上的地位就并不很值得一提，这类乐器就是launchpad等采样触发性控制器，现在因为EDM类型音乐的盛行而导致了许多追求潮流的年轻人利用launchpad的方式来参与乐曲的演奏（严格来说并不算），但是这样一个工具（或玩具）的确风靡一时，因为对于daw有很好的integration（直接导致了市场占有率）与大量的演奏曲库，实际上来说（勉强作为乐器）的确是在商业地位（比如总销量等）上对古典乐器的市场占有率有一定影响。

　　A：其实并没有这回事，乐器领域从来不存在什么东西一统天下的说法。可能普及率较高吧。

　　一个是教育的影响。音乐学院考试就有钢琴需求，那当然学钢琴的人就多了。如果考试的需求变为特雷门琴之类，那就2333333……

　　再一个是声学上的特征：钢琴吉他小提琴这些，是我们的祖辈从无数件原声乐器中精选出来的。这些乐器的特征是音色的频率范围广，表现力强。钢琴高低音有很明显的表现差异，吉他的5，6弦在一些指弹乐曲中可以代替bass来用。在钢琴吉他和“提琴组”（也就是俗称的弦乐，小提琴太片面）中，不同音符的高低，是有着完全不一样的表现力。电子乐器的设计逻辑决定了不同音符的表现力只有音高上的差异，而并未有音色本身的差异性（可以人为设计，但永远达不到原声乐器的自然过渡）。

　　就算抛开音高带来的的音色差异性不谈，音色本身是由声波波形决定的，而每个乐器的振动并不会是某种简单的波形。电子乐器需要克服的，首页-百事2娱乐注册-登录平台-正是模拟原声乐器的谐波。自然界声学乐器谐波的复杂度要完全重建，是几乎不可能的，永远只能模拟得尽量像，不能完全取代。

　　总之，模拟原声乐器是一个“以人类的智力模拟自然界”的过程，所以很难实现。如果涉及到吉他的击勾弦技巧，钢琴的共鸣，弦乐的跳弓断弓和滑音……这些技巧引起的波形变化就更加难以模拟了。

　　其实现在的技术已经有一定的发展了，人类已经能用电子合成器模拟出非常接近的风琴和电钢类音色。风琴得益于谐波简单，而电钢类音色的模拟，是因为电钢毕竟也属于电子乐器……

　　Q：我们现在是否已经到了可以改变上百年传统乐器产业，产生新一代革命性乐器的时候了？为什么现在电子乐器仍然 走着模仿之路（电钢琴，电子手风琴），没有创造出全新的操作方式和全新听觉效果的新一代乐器？

　　A：早就有了。现在电子乐的蓬勃发展就是得益于科技的进步，产生了无数我们在自然界中很难获得的音色。比如很多欧美舞曲的鼓音色，在beatles那个年代是很难获得的~

　　另外，原声乐器并非具有缺陷，也许操作和使用，保养上有麻烦，但是拨弦，敲弦，拉弦震动结合木质箱体的这些特征正是能形成良好音色的前提。

　　宽广的音域，能有更好（小提琴没有）。不同的演奏技巧，能有更好（钢琴基本等于没有）。但这些都是服从于表现力而存在的。

　　我觉得根本上是对两种音乐形式和乐器的定位和诉求的根本不同。传统音乐，仰赖自然乐器发声，依靠乐器自身的自然属性。因此是借助他们的自然属性去塑造音乐的过程。因此在音乐的创作和表达过程中，其实是受制于乐器本身的物理属性的。比如小提琴，它只能呈现其中高音区的音域范围，不能去呈现低音Bass的音域；吉他的和声指法组合方式也受制于其自身的定弦限制；所有的自然乐器无法呈现纯粹的音波，诸如正弦波、三角波、方波等。因此可以说传统乐器受制于其自身的音域、音量、音色、演奏技法等方面的先天属性，而音乐创作本身依赖于其属性（如弦乐四重奏或钢琴曲）也受制于其属性。或者简单来说，是依于形，且受制于形。而乐器本身也因作品的传世而成就了经典。

　　而反观电子乐，其表面仰赖各类电子音色音效和特殊的处理，仰赖音色的创造，但是事实上是在打破音乐创作和演奏过程中受制于“形”的状态。

　　比如，我需要类似KickDrum的雄厚有力的低频脉冲，我不需要真的找个鼓手，搞只KickDrum来踩来录，我要的只是有意思的低频脉冲，这才是真正的诉求，因此我只需要用各种震荡信号来创造这样的音色出来便可。

　　再比如，我需要一个氛围感的底，类似弦乐群的音色来支撑音乐。我可以找弦乐队来拉，但我为什么不自己去创造音色，让它更接近我真正想要的那个空灵的神秘的直抵灵魂深处的音色呢？或者我还要它在音乐的推进中有更多的明暗变化（电子乐可以直接给个动态滤波，但弦乐可能只能仰赖乐手的音色控制了）……

　　所以传统器乐除了仰赖基本的音乐理论，也仰赖配器法，既依赖乐器属性又受制于乐器属性。而电子乐除了仰赖音乐理论外，更关注心理声学上对于音色感受的诉求，其本质是要跳开“形”，不受制于“形”、不受制于工具。因此工具本身、“形”本身被赋予的意义也远不如乐器了，自然也没有传统乐器给人的影响那么深刻。